Сведение и мастеринг – территория заблуждений.

Автор статьи: Геннадий Чаплинский

Странное дело – уроками и статьями по теме “сведение и мастеринг” завален интернет. Вы регулярно пересматриваете обучающие видео по этой теме, но периодически ловите себя на мысли, что эти методические пособия совершенно не помогают уверенно овладеть темой. Можно сколько угодно смотреть, как кто-то чего-то крутит на мониторе, компрессирует, эквализирует, решает частотные конфликты, но это видео так и останется для вас просто демонстрацией стиля чьей-то работы, пока вы не придете к пониманию главного – для того, чтобы работать со звуком, нужно ПОНИМАТЬ ЗВУК! Начиная с того, как он рождается и заканчивая тем, как мы его слышим. Когда придет понимание этого процесса, в голове сложится четкая картинка. Разрозненные знания структурируются в некую систему, которая даст впоследствии ответы на любые вопросы, возникающие в процессе работы.

Знаете, в чем главная ошибка большинства? Люди не с того начинают. Могу поспорить, что увлекшись звукозаписью и созданием треков, большинство из вас сразу бросились осваивать программы, качать горы плагинов, выбирать “лучшие”, спорить на форумах по поводу “какой хост круче”, “как правильно сводить и делать мастеринг” и т.д.

За этими многочисленными и увлекательными виртуальными заботами люди совсем забывают о музыке (имеется в виду изучение классических дисциплин – гармонии, инструментовки, полифонии..) Но это еще полбеды. В конце концов звукорежиссер может и не быть музыкантом (хотя музыкально грамотный звукорежиссер – это здорово). Но когда человек начинает работать со звуком и при этом даже не знает, что это такое, тут уж ничего хорошего ожидать не приходится. Представьте ситуацию: автослесарь, специализирующийся на ремонте двигателей, имеет инструменты на все случаи жизни, но не представляет, какие процессы происходят в агрегате – как подается топливо, как функционирует система зажигания, отводятся выхлопные газы, в каких пропорциях и каким образом впрыскивается топливовоздушная смесь. Такой “мастер” соберет по картинкам вроде бы красивый и полноценный с виду двигатель, но этот двигатель не заведется. То есть не будет выполнять своих прямых обязанностей – приводить автомобиль в движение. Звук, с которым мы работаем – это тот же двигатель. Только задача у него другая: активировать человеческий мозг для постоянного анализа поступающей звуковой информации и нахождения в ней логических взаимосвязей. Истинное эстетическое удовлетворение мозг получает только в том случае, когда он может просчитать логику поступающих звуковых колебаний. Музыкальный звук от шумового тем и отличается, что в шумовых звуках нет никаких строгих математических соотношений между частотами. Это набор хаотичных колебаний, просчитать математическую связь между которыми мозг не в состоянии. В музыкальных же звуках есть периоды колебаний, которые находятся в строгих математических соотношениях друг с другом. Возьмем только один пример: колебание гитарной струны с частотой 440 Гц (нота ля первой октавы). Струна одновременно колеблется целиком (440Гц), своими половинками (в два раза чаще-880Гц), своими третями (в три раза чаще – 1320Гц) и т.д. Между всеми этими гармониками есть четкая математическая взаимосвязь. Подсознательно находя и отслеживая ее, мозг получает удовлетворение от проделанной работы. В конечном счете благозвучность аккордов и всей одновременно звучащей музыкальной ткани зависит от того, есть ли четкая математическая взаимосвязь между одновременно звучащими гармониками всех инструментов. Собственно построению такой музыкальной ткани и учит классическая гармония. Просто наука эта формировала свои законы и правила в процессе эволюции путем проб и экспериментов, а мы с вами пытаемся найти научное объяснение явлению “консонанс/диссонанс” (приятно/не приятно) с точки зрения биологии. Да и в конечном счете проще заучить то, к чему пришло человечество опытным путем, чем постоянно считать музыку на калькуляторе. Но знать саму суть наличия либо отсутствия чувства эстетического наслаждения от звука для звукорежиссера обязательно.

Понимая глубинные предпосылки психоакустического комфорта, человек, работающий со звуком, сможет сам программным способом синтезировать недостающие и уместные в данный момент в данном контексте звуки, выбирать перкуссионный звуковой материал сообразуясь с тональностью и темпом композиции. Ведь даже, казалось бы, шумовые, перкуссионные звуки зачастую имеют основную несущую частоту. Если она будет выбиваться из гармонической модели, представленной гармоническими инструментами, такой звук не сядет в микс и не станет его частью. Существует еще множество совершенно неочевидных законов и правил, которые нужно знать и придерживаться их в процессе работы над музыкальным материалом. Эти законы и правила существуют и действуют только для человеческого мозга и человеческой психики.

Наука, которая занимается изучением воздействия звука на человека, называется психоакустика. И это, на мой взгляд, первая дисциплина, которую просто обязан изучить (хотя бы в общих чертах) человек, решивший стать звукорежиссером. Опять же по моему мнению лучшим трудом отечественного ученого по этой теме является “Основы психоакустики” И. Алдошиной. Если набраться терпения, желания, выдержки, заставить себя не бросать чтение из-за непонятного абзаца или фразы, то спустя недельку мозгового штурма можно многое понять и усвоить. Можно понять как появляется звук, как он распостраняется, как мы его слышим, чем отличается шум от музыки, какие есть параметры у звука и еще много интересного. Но есть одна проблема – Алдошина преподает психоакустику как бы в отрыве от звукорежиссуры. То есть она периодически говорит, что такое-то явление стоит учитывать в звукорежиссерской практике, но конкретных примеров не приводит. И такой подход вызывает определенные сложности у начинающих звукорежиссеров. То есть дается определенная вводная, а уж что из этого следует, будьте добры, додумывайте сами. Например: “для того, чтобы определить высоту тона на высоких частотах слуху требуется меньше времени чем на низких”. И что? Вот привела бы Алдошина конкретный пример, где и как можно использовать это явление, все стало бы гораздо радужней.

А так каждый должен сам искать применение законам психоакустики. Но, как говорится, и на том спасибо. Опыты поставлены, закономерности и правила выведены. Дальше сами. Ох и нелегкая это дорога. Но ее осилит идущий.

Вобщем, если вы решили связать свою судьбу со звуком всерьез и надолго, мой вам совет – не теряйте времени, изучайте психоакустику. А если не сможете сориентироваться самостоятельно, в курсе “Звук с большой буквы” я постараюсь помочь вам упростить процесс изучения этой довольно сложной дисциплины. И главное – в этом курсе я дам те самые конкретные рекомендации, покажу приемы и примеры где и как в звукорежиссерской практике при сведении и мастеринге применяется тот, либо иной закон психоакустики.

Другие материалы автора статьи:

1. Курс “Бочкобас Чаплинского” – всё о сведении бочки и баса + создание инструмента “бочкобас”

2. Reaper. Основы работы с программой для сведения и мастеринга.

3. Как из MIDI или караоке-файла сделать “конфетку” за 5 минут.

4. Автоиконки в программе Рипер. Создаём комфорт в рабочей среде.

5. Работа с многоканальными инструментами в программе Рипер (Reaper).